O renascimento do cinema francês de terror tem acelerado nos últimos anos, com títulos como Baise-Moi (2000), Dans Ma Peau (2002), Irreversível (2002), Alta Tensão (2003), Eles (2006) eFronteira(s) (2007), mas nenhum é tão impressionante e inesperado como A L'Interieur. Qual descontrolada montanha russa macabra, este filme não recua perante nada, sugando-nos através de um vórtice de demência com uma frieza implacável. Muito para além de qualquer torture porn americano, este trabalho de laivos góticos é inigualável no seu banho de sangue, de uma audácia e ousadia que não conhecem limites. É a prova de que gore excessivo não é necessariamente um defeito, se for adequadamente explorado.
A história é simples. Na véspera de dar à luz, uma mãe solteira é incomodada por uma mulher que lhe toca à campainha a altas horas da noite a pedir para entrar. A recusa não vai ser tão simples. É um mero pormenor, mas sublime quando nos detemos nele, que a princípio não simpatizemos com Alysson Paradis (irmã de Vanessa Paradis), mas a impenetrável e perturbadora figura de Beatrice Dalle como anjo vingador vai abalar todas as nossas barreiras e fazer-nos torcer por ela até à exaustão.
Primeira obra de Alexandre Bustillo e Julien Maury, com distribuição da Dimension Extreme (uma etiqueta dos irmãos Weinstein da Miramax para albergar títulos bizarros), A L'Interieur é um filme surreal e grotesco, cujo maior feito é manter um pé na autenticidade e o outro enfiado na trituradora. A abertura é imediatamente promissora, quando assistimos a um feto lactante dentro da barriga da mãe e o rosto deste choca subitamente contra a câmara, em resultado de uma paragem brusca. É pena o feto em CGI ser pouco realista (e descabidamente cómico) e a maquilhagem do rasgão no rosto da protagonista não sobreviver aos close-ups, mas esses apontamentos não fazem a menor mossa naquele que é um dos exercícios mais marcantes e estranhamente apelativos do cinema de terror actual.
Jaume Balagueró, realizador de [Rec] (2007), revelou à mítica revista Fangoria o seu interesse em dirigir um remake de A L'Interieur.
A L'Interieur 2007
Enésima história de casa assombrada, Escuridão falha pela banalidade do argumento, das prestações e dos sustos. A direcção de fotografia cria algumas imagens interessantes na primeira parte mas, na ausência de uma história que as suporte, estas perdem-se no vazio de uma segunda parte simples e funcional.
Para não falar da aberração que é o clímax (Iain Glen no círculo é demasiado à pressão), como é possível que ninguém naquela casa ache que as senhoras vitorianas da foto encontrada no armário são demasiado bizarras (têm os olhos tão encovados que parecem usar óculos escuros), nem mesmo depois de a emoldurarem na parede ?
Em 1999, Jaume Balagueró apresentou um intenso Os Sem Nome(baseado no livro de Ramsey Campbell), mas desde aí tem escrito os argumentos e a qualidade narrativa decaiu sobremaneira (Escuridãoe Frágeis). Em 2007 teve sorte de o seu filme de zombies de câmara ao ombro ter caído no goto (Quarentena é o seu remake americano de 2008) e prepara já uma sequela, [Rec]2.
O elenco parece ter vindo de todo o lado. Anna Paquin é uma canadiana que cresceu na Nova Zelândia, Lena Olin é sueca, Iain Glen é escocês, Giancarlo Gianini italiano, Fele Martinez espanhol e o pequeno Stephan Enquist de Singapura (pai sueco e mãe espanhola). Não havia necessidade de tantos sotaques, quando nenhum é assustador.
Em 2006, dois franceses alcançaram o inesperado. Sem banda sonora e apenas dois actores, David Moreau e Xavier Palud conseguiram manter um suspense irrespirável durante 70 minutos. Eles usava magistralmente pequenos artifícios como pedras lançadas contra vidros, batidas na porta e sombras fugidias, criando uma atmosfera de intimidação inacreditável.
The Strangers é um descarado remake americano de Eles, por um realizador-argumentista aldrabão, que abusivamente atribui a inspiração a eventos reais (sim, os irmãos Cohen disseram o mesmo sobre Fargo) e em entrevista sublinhou os homicídios de Charles Manson e o facto de uma vez em criança ter aberto a porta a um estranho que lhe perguntou por alguém que não morava ali e nessa noite casas das redondezas terem sido assaltadas. Sobre Eles, nem uma palavra.
Na esperança de que poucos americanos tivessem visto o filme francês, Bryan Bertino utilizou exactamente o mesmo estratagema. Uma casa próxima de um pinhal, um casal sozinho e três figuras com os rostos cobertos (gorros no original, máscaras na versão americana) a tentarem amedrontá-los. Pedras contra os vidros, pancadas na porta e sombras fugidias. Até a justificação dos maus para os seus actos, que pode ler-se no próprio cartaz (Porque estavam em casa), é muito próxima da de Eles (Só queríamos brincar). Mas em vez de uma atmosfera de intimidação, lê-se apenas o seguimento de uma fórmula e muito aborrecimento. 
Não há desenvolvimento dos personagens. Os protagonistas são tão anónimos como os psicopatas, com a mera diferença de que não usam máscaras e sabemos onde moram. Através de um flashback, é-nos relatado que ele a pediu em casamento nessa noite e ela recusou, mas não sabemos porquê. Quando os sustos começam, agem de modo assustado. Os psicopatas não têm expressão, não só por cobrirem o rosto, como pelo facto de não falarem. Como o filme é americano, eventualmente acabam-se as pedras para atirar às janelas e o armário dos clichés é escancarado à nossa frente (e faz perguntar como é que num filme que se quer baseado em factos reais o psicopata pode estar mesmo atrás da vítima, mas quando esta se vira não está lá ninguém). No final, assiste-se a um curto torture porn, tão introvertido que mete dó. 
O filme abre com uma narração que pretende lembrar a da saga Massacre no Texas (1974), mas tão artificial e a querer colar-se ao figurino que se confunde mais com a de Cobra (1986). Liv Tyler foi uma péssima escolha (ela e Scott Speedman formam o casal vítima), não porque não saiba gritar a contento, mas porque se perde demasiado tempo a pensar em como está gorda. 
Noutra produção de 2007, também Kate Beckinsale (que faz dupla com Scott Speedman na trilogia Underworld) entrou num filme com contornos semelhantes, O Motel. Brincadeiras Perigosas, de Michael Haneke, um original de 1997 e com remake de 2007, pode considerar-se percursor deste tipo de thriller. Mas, nunca será demais repetir, The Strangers é demasiado baço, especialmente por apenas repetir uma fórmula e respectivos clichés. 
Fica a curiosidade de que David Moreau e Xavier Palud, os responsáveis por Eles, rumaram para Hollywood com um convite para realizarem o remake de O Olho (2008) dos irmãos Pang (2002) e não poderiam ter feito pior trabalho. 
Um elemento indissociável dos filmes de terror asiáticos prende-se com longas cabeleiras negras, que ora cobrem misteriosamente rostos maléficos, ora se espalham como ondas pelo tecto de armários com cheiro a alma penada. Mais do que um anúncio Vidal Sassoon, esta é uma imagem de marca da beleza oriental, onde os cabelos nunca encaracolam naturalmente.
Sion Sono (Clube Suicida, 2002) partiu desta ideia e eliminou o intermediário humano, que seria apenas um saco para o cabelo se desenvolver e fazer maldades. Infelizmente, optando por desenvolver o conceito sozinho, Sion Sono tornou evidente a falta que um cérebro faz por baixo do couro cabeludo. Exte: Hair Extensions revela-se como um único gag que, uma vez esgotado, denuncia todas as falhas de um argumento feito em cima do joelho.
Uma montagem mais rápida, que encurtasse diálogos inúteis e reduzisse os momentos mortos ou irritantes (todo o subplot sobre a irmã prostituta que agride a filha e rouba a irmã), permitiria uma experiência mais satisfatória, ainda que o material em si nunca chegue a ter peso. Os flashbacks introduzem o tema do tráfico de órgãos, sem nada explicarem sobre a origem do cabelo assassino. Mas, enfim, quando o cabelo chega através de fax à casa da vítima, torna-se claro que a história nunca teve o rumo pensado e disparou em todos os sentidos, da comédia ao surrealismo, com meras pitadas de terror e muita obsessão. Convém dizer que a maioria dos efeitos pilosos se obtiveram através de animação fotoestática (stop motion) e não por computador, apesar dos bons resultados. E trabalhar com cabelo deve ser tão difícil como com animais.
Com Chiaki Kuryama, a actriz japonesa que em Kill Bill Vol. I vestia uniforme escolar e tinha por arma uma go go ball.
Para quem ainda não percebeu que a imaginação desapareceu de Hollywood, chega mais um remake do horror asiático. O original de Takashi Miike (2003) já chegava depois de Ringu, Ju-On e O Olhoterem dispersado sequelas a eito, mas o cineasta de Anjo ou Demónio (1999) e Ichi –O Assassino (2001) sempre foi demasiado persistente para não se lançar ao barco já depois de este ter largado o ancoradouro.
As cassetes de vídeo assassinas já tinham perdido a frescura com o advento do DVD e a internet também já tinha sido açambarcada porKairo (2003), mas os telemóveis ainda não tinham dono. A história de Chakushin Ari era estúpida e cheia de buracos, mas nada travaria Takashi Miike, disposto a assustar com qualquer barro que lhe pusessem à frente. E é por isso que o filme, de certa forma, escapa da total abnegação: Miike tem um controlo total sobre a mise-en-scène que mantém o cinéfilo na ponta do assento, atento e interessado, mesmo quando se torce o nariz à falta de lógica. Em 2005, o Japão produziria uma sequela de Chakushin Ari, mas realizada por um tarefeiro e directamente para o mercado de vídeo.
O remake de Uma Chamada Perdida surge após os de Ring, Dark Water (ambos de Hideo Nakata), Kairo (Pulse em inglês), Ju-on – A Maldição e O Olho, tendo Ring, Ju-on e O Olho sequelas (e Ringu até tem uma prequela) asiáticas. Excluindo a versão de Gore Verbinski de Ring, que é melhor do que o original por uma gestão gráfica eficiente e por o amante da protagonista ser um homem normal, ao contrário de um médium como no original (o que provocou alguns facilitismos no descortinar do mistério em Ringu). Dito isto, fica claro que remake de Uma Chamada Perdida não merece grandes elogios. E não os merece porque Eric Valette não é Takashi Miike, e na verdade não é ninguém. Importado de França com um curioso filme sobrenatural passado quase integralmente dentro de uma cela prisional (Maléfique, 2002) e algum trabalho televisivo na valise, era duvidoso que a falta de ideias de Uma Chamada Perdida fosse compensada por um contraponto visualmente claustrofóbico e aterrorizador. Não foi.
Basicamente, o enredo de Uma Chamada Perdida segue um conjunto de vítimas que são avisadas da sua própria morte iminente através de uma mensagem de voz no seu telemóvel, em que ficam a saber o momento exacto em que vão morrer. A heroína tem de descobrir como livrar-se da maldição antes chegue a sua vez, auxiliada por um polícia cuja irmã foi vítima da mesma entidade. No final, muita coisa fica por explicar. Se (spoiler alert – salte para o parágrafo de baixo) a assassina era a filha fantasma e não a mãe como inicialmente pensado, quem contactava por voicemail era a mãe, a avisar as vítimas seguintes, e não a assassina. O que não se percebe é a razão do modus operandi da filha – se escolhesse vítimas sem telemóvel, a mãe não poderia avisá-las. E se a filha morreu em casa, com asma, qual a relação com o incêndio no hospital onde a mãe faleceu?
Uma Chamada Perdida não tem um único momento arrepiante. Atira imagens soltas de pessoas distorcidas por CGI de baixa qualidade contra a tela e apresenta um elenco desadequadíssimo. Shannyn Sossamon passava por estudante universitária em As Regras da Atracção e em 40 Dias e 40 Noites, ambos de 2002, mas seis anos mais tarde já estava a tempo de ter-se licenciado, tanto mais que tem trinta anos. Edward Burns tem precisamente quarenta anos, o que torna descabida a sugestão no final do filme de que ele e a estudante universitária (personagem por regra à volta dos dezoito/vinte anos) poderão vir a namorar.
Eric Valette afirmou não ter visto Chakushin Ari e ter pedido aos actores para o imitarem – mas, quando se faz um remake, este deve ser o passo mais estúpido que um realizador pode dar. Para não repetir possíveis erros do original e poder melhorar as cenas que vai recriar. Enfim, Eric Valette encontrou inúmeros erros novos para cometer. E cometeu-os todos.
Depois de entediar com um serial killer a motor, perdido algures nas estepes australianas, Greg Mclean submergiu o assassino e encheu-o de escamas. Para alimentá-lo, atirou um barco cheio de turistas para o seu território. É óbvio que o crocodilo ficará em jejum durante a maior parte da película, como mandam as leis da gestão do suspense, mas a verdade é que também o cinéfilo é deixado à fome, com um grupo de presas sem empatia, que pedimos que sejam comidas mais depressa, o que, infelizmente, não acontece.
Rogue não investe no enriquecimento dos personagens. Temos os refilões, os choramingas e os empenhados, mas nem os primeiros se queixam muito, nem os últimos fazem grande coisa. O crocodilo de CGI aparece fugazmente aos 50 minutos e a contento na cena final, mas se os tubarões de Perigo no Oceano (1999) provocavam bocejos, este crocodilo podia ser metido na mesma jaula.
Espanta ver Radha Mitchell (que já representou para Woody Allen emMelinda e Melinda, 2004) neste enguiço sem emoção, mas o mesmo não se pode dizer de Michael Vartan, que não se destacou desde a série Alias – A Vingadora (Câmara Indiscreta, de 2002, e Uma Sogra de Fugir, de 2005). Quanto a Sam Worthington, que está prestes a deixar de ser um desconhecido (Terminator 4 e Avatar, ambos para 2009), é impressão minha ou é muito parecido com Chris O’Donnell quando este estava em forma?
Afficcionados de Wolf Creek (2005), o filme de estreia de Greg Mclean, gostarão de ver John Jarratt, o vilão desse filme, regressar como secundário inútil. De resto, salvam-se as abundantes paisagens paradisíacas que dão vontade de visitar, mesmo correndo-se o risco de ser-se devorado por um crocodilo feito em computador (e até esse risco é diminuto, tão breve é o tempo de antena do predador de serviço).
Num concurso para manchar o seu maior feito, os irmãos Pang certamente ficariam entre os finalistas. O Olho 2 tem a qualidade amadorística de um telefilme, tanto ao nível gráfico como narrativo, a história parece uma colagem de cenas sem sentido, a cena da tentativa de suicídio não se articula com o resto e o próprio título parece deslocado. Nada acontece à vista da protagonista para que esta comece a ver fantasmas e a explicação final é tão simplória que não podia deixar de ser a maior desilusão de um filme sem uma única cena de valor. Aliás, como filme de terror, é incapaz de uma imagem perturbadora ou de um único susto.
Os irmãos Pang assinaram um terceiro filme da série O Olho, humoristicamente intitulado O Olho 10. em 2007, voaram até aos EUA para assinarem o pindérico Os Mensageiros e fizeram Nicolas Cage voar até à Tailândia em 2008 para filmar Bangkok Dangerous. Shu Qi, que o público ocidental recordará de Correio de Risco (2002), é a protagonista que vê fantasmas, mas enquanto que em O Olho a protagonista via fantasmas porque a sua operação à córnea lhe dava essa faculdade, em O Olho 2 a situação é tratada com banalidade, sendo que os fantasmas ora surgem nos espelhos e não na realidade, ora um mero piscar de olhos faz com que a personagem deixe de os ver.
Comédia de zombies australiana com alegria no gatilho. O lema é disparar sobre tudo o que se mexe e quanto mais vezes melhor. Aparte isso, não há muito a acrescentar, para além de alguns momentos de estética à John Woo, uma história que se torna algo confusa na recta final (os extraterrestres afinal são bons, maus ou não importa?) e a cena pós-climática é um mero pró-forma.
Os irmãos Spierig desdobraram-se nos sete instrumentos para pagarem o filme do seu próprio bolso, filmarem todas as cenas em praticamente um ou dois takes e montarem nos seus computadores pessoais, onde criaram também os efeitos especiais, numa pós-produção que demorou nove meses. O duo tem previsto para 2008 o filme Daybreakers, desta vez sobre vampiros. Nota para a caracterização de Dirk Hunter, o polícia, bastante próxima dos tempos de ouro de Eric Idle, dos Monty Python Flying Circus.
Slasher norueguês passado num hotel abandonado no meio da montanha nevada de Jotunheimen, onde um grupo de cincosnowboarders descobre não estar tão sozinho como julgava. O sangue começa a correr apenas aos 40 minutos e até então o filme não aproveitou o seu tempo nem para nos dar a conhecer os protagonistas, que permanecem finos como papel, nem para instilar medo para além da ocasional sombra fugidia. Por essa altura, já temos uma ideia de quem será o responsável pelo que ainda nem aconteceu e, voilá, estamos correctos.
Sem uma nesga de originalidade, este herdeiro do velhinho Sexta Feira 13 avança como um elefante por uma loja de porcelanas. Nunca se viu ninguém fazer tanto barulho quando a intenção era não fazer nenhum; mas como o que conta é a intenção, o assassino, apesar de familiarizado com o espaço, não ouve nada. Quando a logística mete água, está o caldo entornado. A primeira vítima corre por um corredor com um ombro cheio de sangue, tropeça, cai, arrasta-se e até se apoia contra uma porta; pouco tempo mais tarde, outro personagem percorre o referido corredor e o mesmo está imaculado. Como é que nunca ninguém apanha o assassino de esfregona na mão?
Fritt Vilt é um slasher medíocre que nem sequer capitaliza no cenário. Filmado no topo do Jotunheimen (o equipamento teve de ser levado de helicóptero), a uma temperatura de 25ºC negativos, pouco mais é do que branco e uma cabana. O mini-twist final é irrisório e responde a uma questão que só se ponderou muito levemente no início, mas sempre mostra a natureza da besta. Explicações, não há, apesar de ser mais um daqueles filmes em que o assassino tem no seu quarto, à mão de semear, providenciais recortes de jornal com trinta anos.
O realizador Roar Uthaug diz que fez o seu primeiro filme de machadada no oitavo ano, mas desde 2002 que se dedicava a vídeos musicais e anúncios. O regresso às origens não se provou astucioso. E ainda menos o facto de terem sido precisas cinco cabeças (entre elas a de Uthaug) para magicar esta história. Para quem está habituado a icónicos assassinos mascarados que não abrem a boca, este também não tem grande presença; é alto, mas magro. A sobrevivente regressa na sequela, com estreia prevista para Outubro de 2008, com outro realizador.
Em 1978, o realizador Joe Dante realizou Piranha, um filme de terror onde cardumes de peixes devoradores atacavam uma estância balnear. O filme funcionava igualmente como paródia ao sucesso internacional de Tubarão (1975), tanto mais que os diversos cartazes promocionais eram semelhantes aos do filme de Steven Spielberg, apenas substituindo o tubarão por uma piranha gigante (ou várias, dependendo do poster). As piranhas tinham cara de Gremlin, filme assinado por Joe Dante seis anos depois. A Universal Pictures ameaçou processar a New World de Roger Corman (produtor dePiranha) por plágio, mas Spielberg gostou tanto de Piranha que o processo judicial foi abandonado. O filme viria a ganhar dois prémios Saturn em 1979, da Academy of Science Fiction Fantasy & Horror Films, incluindo Melhor Filme de Terror.
Após uma curta metragem de 12 minutos intitulada Xenogenesis(1978), em tempo de curso, James Cameron teve a sua primeira experiência na longa metragem com Piranha Parte 2, quando o primeiro realizador foi despedido pelo produtor executivo Ovidio G. Assonitis. James Cameron tinha sido inicialmente contratado apenas para supervisionar os efeitos especiais. Ao fim de uma semana de rodagem, discussões entre o produtor e Cameron determinaram que este viesse a ser proibido de ver o resultado das suas próprias filmagens e que a montagem se tenha processado à sua revelia. Supostamente, terá sido neste período que James Cameron terá adoecido, e a arder em febre sonhou o argumento de Exterminador Implacável (1984).
Apesar de James Cameron ter rescrito parte do argumento, a pressão de Ovidio G. Assonitis, que supervisionou as filmagens e a montagem, 
De banalidade em banalidade, o filme atinge o limiar da insuplantável falta de lógica da cena climática, em que uma instrutora de mergulho e um engenheiro bioquímico enchem um barco naufragado com dinamite, sendo que os detonadores foram previamente acertados para que a explosão se dê dentro de quinze minutos e o local está deserto. Sem que façam nada para atrair as piranhas, estas regressam todas a tempo de irem convenientemente pelos ares. É o que dá guiões escritos na casa de banho, efeitos especiais de garagem e realizações com cozinheiros a mais. Um festival de amadorismo trash.